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Kings : le chaos, et après ?

Kings

Vingt-cinq ans après, les images du tabassage de Rodney King par des policiers à Los Angeles n’ont rien perdu de leur violence. Loin d’évoquer un passé révolu, elles nous renvoient à la litanie à ce jour ininterrompue des meurtres d’hommes et de femmes noirs par la police américaine. La présence de ces images dans le nouveau film de Deniz Gamze Ergüven laissait donc croire que ce Kings serait une œuvre politique, à l’image du premier long-métrage de la réalisatrice franco-turque, Mustang. Même si l’on passe d’un village turc à une métropole américaine, d’un casting d’inconnues à une distribution hollywoodienne (Halle Berry et Daniel Craig), les deux films procèdent de la même volonté : montrer comment le politique influe sur le quotidien de ses personnages, mais aussi comment le quotidien persiste dans des situations politiques très violentes. Il s’agissait dans Mustang de décrire les longues journées de sœurs enfermées par leurs parents dans l’attente de leurs mariages forcés ; il est question dans Kings du quotidien de Millie (Halle Berry), mère-courage d’un quartier défavorisé de South Central prise dans le chaos des émeutes d’avril-mai 1992. Des émeutes nées suite à l’acquittement des quatre policiers impliqués dans le tabassage de Rodney King, qui durèrent cinq jours et firent entre 50 et 60 morts.

Un cruel manque de crédibilité

D’où vient que les sœurs de Mustang avaient fait chavirer notre cœur, alors que les personnages de Kings nous laissent, eux, de marbre ? Malgré le temps passé par Deniz Gamze Ergüven à South Central, malgré ses lectures et ses rencontres avec les habitants, le film est miné par d’importants problèmes de crédibilité, qui empêchent de croire à l’existence des personnages. Il est difficile par exemple de comprendre le rôle exact de Millie auprès des enfants qu’elle recueille chez elle ; ou d’admettre que cette mère débordée, qui passe tout le film à courir dans les rues de South Central, parvienne à maintenir un brushing absolument parfait.

Le bruit et la fureur

À ce manque de crédibilité s’ajoutent des décisions de mise en scène peu opportunes. Que ce soit le recours à une caméra extrêmement mobile ou le choix de remplir ses cadres jusqu’au débordement (toujours un enfant qui crie, qui court ou qui pleure dans un coin de l’image), les choix de Deniz Gamze Ergüven ne laissent pas au spectateur le temps d’apréhender la psychologie des personnages. La réalisatrice cherche bien sûr à retranscrire à l’écran l’atmosphère chaotique de ces jours d’émeutes. Mais sans un minimum d’empathie pour les personnages – ce qui nécessiterait de pouvoir les percevoir autrement que comme un tout bruyant et furieux – ce chaos permanent tourne à vide, jusqu’à l’agacement.

Un film inconséquent ?

Cette atmosphère de chaos permanent prend également le pas sur la compréhension des enjeux des émeutes de 1992, travers que le film partage avec le récent Detroit de Kathryn Bigelow. Deniz Gamze Ergüven n’escamote pas les événements qui ont déclenché la révolte des habitants de South Central, en reconstitue certains et évoque les autres via des images d’archives : le meurtre d’une jeune fille afro-américaine, tuée d’une balle dans le dos par la gérante d’une épicerie, le tabassage de Rodney King, l’acquittement des policiers impliqués. Mais la réalisatrice ne se penche jamais sur les racines historiques et politiques de ces émeutes, les ramenant ainsi à l’expression d’une colère passagère.
Kings fait ainsi œuvre d’une trop grande légèreté vis-à-vis de son sujet. Le film ne cesse d’ailleurs d’alterner entre le drame et le comique, opposant à la violence des émeutes des instants de pure absurdité. En témoigne une scène au cours de laquelle Millie et son voisin Ollie (Daniel Craig) se retrouvent menottés à un lampadaire, se tournant autour (au sens propre comme au figuré), avant qu’Ollie ne décide d’escalader le lampadaire. Le caractère gratuit de cet humour facile laisse un goût amer lorsqu’on remet la séquence dans son contexte : les émeutes de South Central firent entre 50 et 60 morts. On ne peut donc s’empêcher de penser que la révolte de South Central n’est pour Deniz Gamze Ergüven qu’un prétexte de cinéma. Une impression renforcée par les dernières minutes du film, qui s’arrête abruptement lorsque Millie réussit à réunir tous ses enfants (qui s’étaient préalablement dispersés dans le chaos). Que le reste du quartier continue à brûler ne semble guère intéresser la réalisatrice.

Philippine Le Bret

Merci à Karin Grosset-Grange, professeure d’anglais, pour sa contribution à cet article

[Kings de Deniz Gamze Ergüven. 2018. Durée : 88 mn. Distribution : Ad Vitam. Sortie le 11 avril 2018]

Posté dans Dans les salles par zama le 11.04.18 à 15:19 - Réagir

Nul homme n’est une île : la bonne gouvernance locale est-elle la clé d’un futur désirable ?

Nul homme n’est une île © Métére films

Mieux produire, mieux respecter nos territoires, mieux vivre… alors que la France s’interroge sur la possibilité de faire rentrer la lutte contre le réchauffement climatique dans sa Constitution, la question est plus que jamais d’actualité. Elle est au centre de Nul homme n’est une île, un documentaire qui propose quelques pistes pour construire un futur plus respectueux des hommes et de leur environnement.

Un titre énigmatique

« Nul homme n’est une île / Chaque homme est un morceau du continent ». Le titre du nouveau documentaire de Dominique Marchais (Le Temps des grâces, La Ligne de partage des eaux), tiré d’un poème anglais de John Donne paraîtra bien énigmatique au profane. Il résume pourtant, à sa manière métaphorique, le projet du réalisateur : parcourir un continent (l’Europe) pour montrer comment chaque initiative locale participe d’un projet global. Nul homme n’est une île est donc construit comme un voyage à travers l’Europe, découpé en trois chapitres situés chacun dans un pays différent : l’Italie (Sicile), l’Autriche (région du Vorarlberg) et la Suisse (canton des Grisons).

En Sicile, des agriculteur·rice·s qui veulent mieux nourrir les hommes

La partie la plus dense et la plus intéressante du film est assurément la première. On y rencontre les membres des « Poules heureuses » (« Galline Felici » en italien), une coopérative agricole sicilienne attachée aux valeurs de l’écologie et de l’économie solidaire.Passionnant, ce premier chapitre l’est d’abord par sa réflexion sur la forme coopérative, conçue comme un modèle de démocratie en miniature. Les membres des « Galline Felici » se réunissent pour débattre, faire part de leurs problèmes respectifs, proposer des modèles de développement, et finalement décider ensemble de la direction à donner à leur projet. Une belle façon de montrer que la construction d’un futur responsable ne se fera pas sans débats, contradictions, frottements.
Mais ce qui marque encore plus dans ce premier chapitre, c’est la mise en images de la compétition territoriale entre ville et campagne, dont la première sort systématiquement gagnante. Les champs d’un des producteurs des Galline felici sont situés à la périphérie de Catane, la capitale sicilienne (sur la côte Est de l’île), et donc directement menacés par l’extension des zones péri-urbaines. Cette compétition est d’autant plus frappante qu’elle est d’abord cachée : on découvre les champs en plans serrés, ce qui donne l’impression d’être en pleine nature ; et puis, à mesure que le cadre s’élargit, la zone commerciale mitoyenne apparaît, avec ses bâtiments, achevés ou en construction. Le travail sur le son vient encore renforcer cette impression d’invasion industrielle, le grondement des avions témoignant de la proximité de l’aéroport de Catane. Un passage sur Google Maps et son historique achève de manière accablante la démonstration.

Un propos parfois difficile à suivre

Il est plus difficile de comprendre où veut en venir le réalisateur dans les deux autres parties de son film, en Suisse et en Autriche. Le souci du local et de la participation citoyenne irriguent toujours son enquête, puisque Marchais se demande comment l’architecture et l’artisanat peuvent contribuer à la survie des villages ruraux. Mais la construction est moins rigoureuse et le propos plus distendu, de sorte que l’on ne sait pas exactement ce que font les protagonistes qu’il filme, ni quel est l’impact de leurs actions sur la communauté et leur environnement. Le manque de contextualisation politique pose aussi question : on n'imagine pas que la situation politique nationale ou régionale soit sans conséquence sur ces initiatives locales. Le repli sur de petites communautés est-il forcément la clé d’un futur désirable ? Faute de poser le débat sur les implications d’un tel choix, le film de Dominique Marchais perd peu à peu le spectateur.

[Nul homme n'est une île de Dominique Marchais. Durée : 96 mn. Distribution : Météore. Sortie le 4 avril 2018]

Les +

- La réflexion sur les différentes façons de construire un futur désirable
- La mise en images de la concurrence entre ville et campagne

Les -
- Un documentaire très aride
- Un propos parfois confus
- Le manque de contextualisation

Lien avec les programmes
Géographie, Seconde
:
- « Nourrir les hommes » : le rapport entre les ressources alimentaires, la gestion des sols et les conflits d’usage qui y sont attachés
- Étude d’une séquence : la réunion de coopérative, qui permet de traiter de la gouvernance éthique des sols. Les élèves pourront travailler les points de vue des contradicteurs et questionner le discours qu'ils portent.
Tous niveaux :
- L’utilisation d’un Système d’Information Géographique : Google Earth, employé dans le film pour observer l’évolution d’un territoire

Philippine Le Bret
Merci à Laurent Gayme et Gabriel Kleszewski, professeurs de géographie, pour leur contribution à cet article 

Posté dans Dans les salles par zama le 04.04.18 à 09:53 - Réagir

L'île aux chiens : le dossier pédagogique

L’Île aux chiens de Wes Anderson

Neuvième film de Wes Anderson, L’Île aux chiens témoigne, une fois de plus, de la formidable capacité de renouvellement du réalisateur américain. Après avoir exploré l’âge d’or d’une Mittel-Europa d’opérette dans Grand Budapest Hotel, le réalisateur de La Famille Tennenbaum et La Vie aquatique nous transporte dans un Japon rétro-futuriste pour nous conter une rocambolesque aventure canine. Il renoue pour ce faire avec la technique d’animation image par image déjà utilisée pour Fantastic Mr Fox, poussée ici à un degré de sophistication et de splendeur visuelle rarement atteint.
Hommage vibrant (et goguenard) au pays du Soleil Levant et au meilleur ami de l’homme, qui sous ses dehors de films d’aventure et son humour délicieux, délivre un message plus profond qu’il n’y paraît, L'île au chiens est aussi une véritable corne d'abondance pédagogique, tant le film regorge de thématiques et de références. Accessible en version française dès le Cycle 3, le film permettra de travailler en interdisciplinarité au Collège : Lettres, Éducation à l'image, Géographie, initiation aux Langues Vivantes, Anglais, SVT, Technologie.

Notre dossier pédagogique multiplie les approches et les mises en activité pour tirer le meilleur parti du film : il propose aux élèves de s'initier à la culture japonaise (et d'écrire un haïku !), de réfléchir au traitement des déchets, de réaliser un chien en matériaux recyclés, de comprendre comment fonctionne un vaccin, d'analyser un pastiche de western, etc.

L'Île aux chiens de Wes Anderson, au cinéma le 11 avril

Le dossier pédagogique de Zérodeconduite (31 pages, PDF)

Posté dans Fiches et dossiers pédagogiques par zama le 03.04.18 à 12:29 - Réagir

"En Italie, les années de plomb restent un passé qui ne passe pas"

Après la guerre

Premier film de la réalisatrice franco-italienne Annarita Zambrano, Après la guerre revient sur un épisode un peu oublié des relations franco-italiennes : l’accueil des militants d’extrême-gauche condamnés en Italie pour des faits commis lors des « années de plomb », (période de violence politique s’étalant de la fin des années 60 au début des années 1980), en vertu de ce que l’on a appelé la « doctrine Mitterrand ». Le film commence en 2002, au moment où l’assassinat d’un juge ravive le souvenir de ces années de plomb. L’Italie demande alors à la France l’extradition de Marco, ancien militant d’extrême-gauche, soupçonné d’avoir commandité cet attentat. Marco est forcé à la clandestinité, emmenant dans sa fuite Viola, sa fille adolescente.
Bien qu’adossé à une réalité historique, Après la guerre est avant tout un drame familial : à la faveur du huis-clos engendré par la clandestinité, la réalisatrice scrute la relation entre le père, Marco, et la fille, Viola. Cette confrontation est écrite avec beaucoup de subtilité, portée par deux acteurs formidables. La réalisation, très sobre, souligne l’enfermement physique et mental dans lequel se retrouvent les protagonistes de ce drame.
Nous avons interrogé Isabelle Sommier, sociologue et spécialiste des mouvements d’extrême gauche, sur la doctrine Mitterrand, les années de plomb et la vision qu’en donne le cinéma.

Le point de départ d’Après la guerre est ce qu’on a appelé « doctrine Mitterrand » : la promesse, faite en 1983, de ne pas extrader les anciens militants d’extrême-gauche italiens réfugiés en France, à condition qu’ils n’aient pas commis de crime de sang et qu’ils se soient intégrés dans la société française. Pour quelles raisons le président français a-t-il pris cette décision ?

Il s’agit d’unc combinaison de plusieurs facteurs. Tout d’abord, François Mitterrand et son Ministre de l’Intérieur de l’époque, Gaston Deferre, étaient d’anciens résistants. Eux-mêmes avaient été, pendant la Seconde Guerre Mondiale, qualifiés de « terroristes » par le gouvernement de Vichy et l’occupant nazi. Ils avaient aussi une vision très négative de l’Italie, également héritée de la guerre : c’était pour eux le pays du fascisme, auquel pouvait renvoyer la législation d’urgence adoptée pour répondre à la situation des années 1970, qui portait atteinte aux libertés fondamentales. La doctrine Mitterrand naît aussi d’un calcul politique. Quand des centaines de personnes ayant pris part à un conflit armé arrivent dans votre pays, cela peut devenir dangereux. Mitterrand a préféré faire sortir ces personnes de la clandestinité et faciliter leur intégration plutôt que de laisser le conflit italien gangréner le territoire français.

Combien de personnes ont été concernées par cette doctrine Mitterrand ?

Au total, 300 anciens militants italiens ont été accueillis en France en vertu de la doctrine Mitterrand. La plupart ont mené une vie tout à fait banale, reprenant un exercice professionnel et fondant parfois une famille. Seuls quelques militants, ceux qui étaient responsables d’un crime de sang et qui n’étaient donc pas protégés par la doctrine, vivaient dans la clandestinité.

Comment la décision de Mitterrand a-t-elle été accueillie, en 1983, par l’Italie ?

L’Italie a protesté, mais mollement. Cette décision de ne pas extrader les 300 militants présents sur le sol français enlevait à l’Italie une épine du pied. À l’époque en effet, plus de 4 000 personnes étaient inculpées pour « tentative de subversion de l’État ». Les prisons italiennes débordaient.Quelques années plus tard, l’Italie a décidé de s’indigner publiquement, mais sans vraiment s’activer en coulisses. Le climat change en 2001, avec les attentats du 11 septembre et la création de l’espace Schengen. D’autant qu’à ce moment-là la gauche n’est plus au pouvoir en France, et que la plupart des anciens résistants qui avaient forgé la doctrine Mitterrand sont morts. L’assassinat de Marco Biagi par un groupe nommé « Les nouvelles brigades rouges » (assassinat dont s’inspire la scène inaugurale d’Après la guerre), donne alors à l’Italie un prétexte pour réclamer l’extradition des anciens militants réfugiés en France. Mais un seul d’entre eux, Paolo Persichetti, a été extradé depuis.

Une des thématiques les plus intéressantes du film est l’opposition assez nette entre le silence des adultes et les questions des enfants. Ce sont toujours les deux filles qui interrogent sur ce passé. En dehors des familles directement concernées par les événements, y a-t-il aujourd’hui une volonté de la jeune génération, celle qui n’a pas connu les années de plomb, de savoir, de comprendre ?

Je dirais qu’au contraire les jeunes ne sont, dans leur majorité, pas particulièrement intéressés par cette histoire. Ils mélangent d’ailleurs tout ! Il faut dire que cette période n’est que très peu enseignée. Des chercheurs qui ont décortiqué un manuel d’histoire utilisé en section littéraire se sont ainsi rendus compte que seules quatre pages de ce manuel étaient dévolues aux années de plomb sur 1054 pages au total. C’est encore une fois la preuve que ce passé ne passe pas et que l’Italie préfère le recouvrir d’une chape de plomb.

Après la guerre s’inscrit dans une longue tradition de représentation cinématographique des années de plomb. Le cinéma n’a-t-il justement pas permis d’aborder ce « passé qui ne passe pas »  ?

La plupart des films qui abordent les années de plomb privilégient justement une représentation psychologisante et familiale des événements. De mon point de vue d’historienne, il s’agit d’une impasse historique, car cette approche empêche de penser politiquement des événements qui doivent l’être. Ces œuvres dépolitisent l’histoire, ce qui contribue à l’obscurcir.

De quelle manière ces œuvres dépolitisent-elles l’histoire des années de plomb ?

L’histoire des années de plomb n’est pas celle d’un terrorisme sorti de nulle part. La violence politique qui s’est déclenchée à l’époque prend racine, entre autres, dans les révoltes des années 1967-1969. Mais les films et les livres qui évoquent les années de plomb ne fournissent quasiment jamais cet arrière-plan historique. De sorte que la violence apparaît comme l’œuvre de personnes déséquilibrées ou fanatiques.

Cela veut donc dire que le récit collectif des années de plomb ne correspond pas à la réalité historique ?

Il y a en effet un travail de mémoire qui ne correspond pas à un travail d’histoire. La plupart des attentats qui ont eu lieu pendant les années de plomb ont été le fait des groupes d’extrême-droite (ce qu’on appelle le terrorisme noir). Mais le récit commun – y compris dans les films – se focalise presque exclusivement sur la violence des groupes d’extrême-gauche (le terrorisme rouge).

Comment expliquer ce biais ?

Collectivement, il est toujours plus facile de penser que la violence est l’œuvre de fous plutôt que le reflet des déséquilibres de la société. La comparaison a ses limites, mais c’est un peu le même processus que celui à l’œuvre autour du djihadisme : en France, les politiques de déradicalisation adoptent, très largement, une lecture psychologisante de la radicalisation. Quant au relatif oubli du terrorisme noir dans la mémoire nationale, il s’explique par le fait que son inclusion nécessiterait d’aborder des questions politiques complexes. Avant que la locution « années de plomb » ne s’impose, on parlait en Italie de la « stratégie de la tension ». À savoir le fait qu’une partie des services secrets militaires italiens s’est montrée très conciliante avec les groupes terroristes d’extrême-droite, voire les a aidés à réaliser certains de leurs attentats. Le but était d’instaurer un climat de peur permanente, pour que l’opinion publique accueille favorablement la mise en place d’un régime autoritaire.

Les travaux de recherche n’ont-ils pas permis de rapprocher le récit national du récit historique ?

Pendant très longtemps, il n’y a pas eu, en Italie, de recherches académiques sur les années de plomb. Les premiers travaux réalisés par des historiens ne datent que de la fin des années 90. Cela signifie que ce ne sont pas les historiens qui ont écrit l’histoire des années de plomb, mais des journalistes et des témoins directs, qui n’étaient pas tous neutres. On observe un peu le même phénomène en France avec le récit des événements de mai 68. Je parlais à l’instant des locutions « années de plomb » et « stratégie de la tension ». Il faut savoir que le terme « années de plomb » a été utilisé pour la première fois en Italie par un journaliste de droite, Indro Montanelli pour remplacer celui de « stratégie de la tension », qui déculpabiliserait la violence d’extrême gauche. Montanelli, qui se présentait lui-même comme un « témoin non-neutre », était un ancien fasciste, victime d’un attentat perpétré par les Brigades rouges en 1977

L’occultation de ce passé a-t-elle des conséquences sur la société italienne contemporaine ?

Il s'agit d'une question compliquée, mais je constate une tendance à la criminalisation d’une partie des mouvements de protestation. Que ce soit pour la mobilisation étudiante de 2002, contre la réforme du code travail, ou la lutte No TAV, contre le TGV Lyon-Turin, la classe politique voit dans tout soulèvement social un peu radical l’ombre des années de plomb.

Isabelle Sommier est professeure de sociologie à l’université Paris I – Panthéon Sorbonne, et directrice adjointe du Centre européen de sociologie et de science politique. Ses travaux portent sur la violence politique et les mouvements sociaux d’extrême gauche, en France et en Italie. Parmi ses publications : Breaking the Law. Violence and Civil Disobedience in Protest, avec Graeme Hayes et Sylvie Ollitrault à paraître en 2018 chez Amsterdam University Press ; Changer le monde, changer sa vie, en codirection avec Olivier Fillieule, Sophie Béroud, Camille Masclet et collectif Sombrero, Actes Sud 2018.

Propos recueillis par Philippine Le Bret

Après la guerre d'Anarita Zambrano, au cinéma le 21 mars

Posté dans Entretiens par zama le 22.03.18 à 10:46 - Réagir

Le Collier rouge : la Première Guerre Mondiale à hauteur de soldat

Le Collier rouge

Adapté d’un roman de Jean-Christophe Rufin, Le Collier rouge propose, sous des dehors d’enquête policière, une subtile mise en images de la Première Guerre Mondiale.

Une enquête policière

À l’été 1919, un ancien héros de guerre (Nicolas Duvauchelle) est retenu prisonnier dans une petite ville du sud de la France. Le juge militaire, envoyé pour démêler cette affaire qu’il croit simple, est rapidement confronté à l’obstination de l’ancien soldat, qui refuse que sa faute soit passée sous silence. Construit comme une enquête policière, le nouveau film de Jean Becker tient son spectateur en haleine grâce à une alternance dynamique entre les scènes d’interrogatoire dans la petite cellule de la prison et les flashbacks qui nous emmènent sur les différents lieux de la guerre. Le spectateur, qui n’en sait jamais plus que le juge, est partie prenante de cette enquête, découvrant en même temps que lui ce qu’a fait Morlac et les motivations de son geste.

Micro-histoire et grande Histoire

Ce dynamisme narratif n’empêche néanmoins pas un certain flou dans la définition des enjeux de l’enquête. Alors qu’il s’agit pour Lantier du Grez (le juge) de décider de la vie ou de la mort de Morlac, les deux personnages ont souvent une attitude débonnaire, comme s’ils perdaient de vue la finalité de leur confrontation. De même, la résolution de l’enquête peut être frustrante pour le spectateur contemporain : au regard de nos standards actuels, le geste de Morlac, dont la révélation se fait attendre pendant tout le film, apparaît véniel. Il faut donc, pour bien comprendre l’enjeu du « crime » de Morlac, se tourner vers le contexte historique dans lequel il s’inscrit. À cet égard, les nombreux flashbacks du Collier rouge en font une très bonne conclusion à l’étude de la Première Guerre Mondiale, rendant concrets des éléments importants du conflit.

Une mise en images de la Première Guerre Mondiale

Sa très grande richesse historique est d’ailleurs le principal atout du Collier rouge. Grâce aux flashbacks de Morlac, le film revient d’abord sur l’ordre de mobilisation générale, et le peu d’enthousiasme des hommes concernés - qui ne partaient décidément pas « la fleur au fusil ». Le film montre bien que les autorités devaient aller chercher les recrues jusque sur le pas de leur porte, en pleine campagne, pour éviter qu'ils s'échappent. Le Collier rouge se penche ensuite sur l’expérience combattante, et le récit de Morlac se fait à ce moment-là particulièrement saisissant. La violence des scènes de bataille contraste avec la représentation d’une « guerre de position » dans laquelle les soldats n’auraient fait qu’attendre. Dans le film, les combats vont jusqu’au corps-à-corps, et la sauvagerie du conflit s’incarne autant dans l’utilisation de baïonnettes (vestige des guerres anciennes) que dans le recours aux obus (symboles des moyens modernes de la guerre).

Le front d’Orient et l’influence de la révolution russe

La singularité du Collier rouge est également liée au lieu choisi pour les scènes de guerre : le film sort de l’habituel schéma France/Allemagne pour nous emmener sur le front d’Orient (à l'instar de ce qu'avait fait Bertrand Tavernier dans Capitaine Conan), à Thessalonique, dans des paysages paradisiaques qui ne correspondent pas à l’image d'Épinal de la guerre de tranchées. Là-bas, l’armée française d’Orient est alliée aux Russes, aux Britanniques, aux Italiens et aux Serbes pour combattre les Bulgares, les Austro-Hongrois, les Allemands et les Turcs. La mise en images de ce front d’Orient est donc une manière d’insister sur le caractère mondial de ce conflit qu’on réduit souvent à l’affrontement franco-allemand.
Au vu des efforts consacrés à la reconstitution du conflit, il n’est pas étonnant que la plus belle scène du film soit issue d’un de ces flashbacks. Elle se déroule en 1917, un soir où Morlac décide de se rendre dans la tranchée des Russes. Il y trouve des soldats en pleines réjouissances, célébrant la chute du tsar à grand renfort de chansons. La victoire des révolutionnaires et de leurs idéaux socialistes amène ensuite les soldats des armées alliées d’Orient à fraterniser avec leurs ennemis, la conscience de classe primant pour quelques instants sur l’appartenance nationale.

Philippine Le Bret
Merci à Laura Mougel, professeure d’histoire, pour sa contribution à cet article

[Le Collier rouge de Jean Becker. 2018. Durée : 83 mn. Distribution : Appolo Films. Sortie le 11 mars 2018]

Les plus :
- Une enquête policière qui tient en haleine
- Des flashbacks historiques qui témoignent de la grande complexité de la Première Guerre Mondiale

Les moins :
- Une réalisation sans éclats

Lien avec les programmes scolaires :
« L'Europe, un théâtre majeur des guerres totales (1914-1945) » (Histoire, 3ème)
- La Première Guerre Mondiale au-delà du front franco-allemand
- La mobilisation générale
- L’extrême violence des combats
- Les mutineries
- La révolution bolchevique et son influence sur le conflit

 

Posté dans Dans les salles par zama le 18.03.18 à 16:38 - Réagir

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