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À nous de jouer : le site pédagogique

A nous de jouer

Une autre école est-elle possible ? Dans son documentaire À nous de jouer !, le réalisateur Antoine Fromental a suivi les classes théâtre et rugby du collège Jean Macé de Clichy. Entre répétitions et entraînements, scènes de groupe et discussions intimes, le film nous montre les bienfaits d’une pédagogie de projet qui permet à chaque élève de trouver sa place et de s’épanouir, à rebours d’un système scolaire qu’on présente encore comme un broyeur d’individualités. Si ce projet est porté par un fonctionnaire engagé et exemplaire, le principal Christian Comès, et par son équipe (enseignants, intervenants théâtre et sport), les véritables héros du film sont les élèves du collège. On a rarement vu au cinéma des jeunes gens s’exposer ainsi, confier leur espoirs, décrire leur vie, confronter leurs points de vue sur leur quotidien ou sur une actualité plus lointaine (l’attentat de Charlie Hebdo par exemple). On a rarement senti avec autant d’acuité la vibration particulière de l’adolescence, ce moment charnière où l’on se construit en tant qu’adulte et où l’on dit adieu à l’enfance.

Cette authenticité est bien sûr le résultat d’un travail documentaire de longue haleine : quatre ans d’immersion dans l’établissement, 200 jours de tournage et 700 heures de rushes ont permis à Antoine Fromental de tisser un lien de confiance avec les jeunes et de les habituer à la caméra. Mais on ne peut s’empêcher d’y voir le bénéfice de la pédagogie de projet : en se projetant dans la pratique, qu’elle soit sportive ou artistique, les élèves s’affirment en tant qu’individus autonomes, dignes de confiance et d’intérêt. À travers les cours de théâtre et la réécriture du Roméo et Juliette de Shakespeare, le film montre aussi comment la littérature du XVIe siècle peut toucher les adolescents du XXIe, interroger leur quotidien et leurs représentations.

Au-delà d’une nécessaire réflexion sur l’école qui intéressera tous les éducateurs, parents, ou citoyens, le film permettra de travailler avec des élèves de collège, dans le cadre de l’Enseignement Moral et Civique, ou du cours de Français autour de la réécriture de Roméo et Juliette. Nous lui consacrons un dossier pédagogique qui propose des activités pour le collège (EMC, Français), ainsi qu'un entretien avec Jean-Claude Lallias sur l'enseignement du théâtre à l'école.

À nous de jouer d'Antoine Fromental, au cinéma le 8 novembre

Le site pédagogique

Posté par zama le 06.11.17 à 11:14 - Réagir

Au revoir là-haut : une adaptation spectaculaire, au détriment (parfois) de la subtilité

Au revoir là-haut

Qu’allait donner l’alliance annoncée entre romanesque lemaîtrien et folie dupontelesque ? On pouvait s’attendre au meilleur comme au pire du mariage entre les univers de ces deux créateurs (un romancier, un cinéaste) si singuliers. Mais l’adaptation du prix Goncourt 2013 par le réalisateur de Neuf mois ferme (son dernier film en 2012) est une indéniable réussite, qui nous plonge avec brio dans le bouillonnement politique, social et artistique des années vingt. Il faut dire que Dupontel a employé les grands moyens. Entre un casting de rêve (Niels Arestrup, Laurent Lafitte, Émilie Dequenne, Michel Vuillermoz), des effets spéciaux impressionnants et une magnifique reconstruction du Paris des années vingt, le (gros) budget du film est perceptible dès les premiers instants. La séquence d’ouverture, reconstitution d’une bataille entre Français et Allemands le jour de l’armistice, en est la preuve éclatante : à grands renforts d’explosions et de prises de vue aériennes, Dupontel nous immerge de manière saisissante dans l'expérience combattante de la Première Guerre Mondiale.

Mais ces grands moyens auraient été employés en pure perte sans le talent d’Albert Dupontel. La narration très resserrée choisie par le réalisateur imprime au film un indéniable souffle romanesque, tandis que l’habile navigation entre burlesque et tragique rend le film insaisissable – et d’autant plus plaisant. Ce mélange des genres est encore renforcé par la survenue des masques, qui appartiennent eux au registre de la poésie. Ces masques sont un jeu autant qu’un émerveillement, et ancrent encore un peu plus le film dans son époque en faisant référence aux principaux courants artistiques des années vingt. L’extraordinaire travail de Cécile Kretschmar, leur créatrice, rapproche ainsi Au revoir là-haut des Yeux sans visage de Georges Franju (1960). L’ambition de Dupontel a cependant un revers : le film tend à la boursouflure, au risque de substituer le spectaculaire à la finesse. Le roman de Pierre Lemaître est parfois réduit à son aspect le plus schématique (les méchants, les gentils, les péripéties), sans que ne soient développées les subtilités qui font sa force stylistique et émotionnelle. C’est notamment le cas de l’arnaque aux monuments aux morts, réduite dans le film à un simple moyen de subsistance pour les deux héros alors qu’elle possédait un fort caractère politique et symbolique dans le roman (pour une analyse historique de cette floraison de monuments commémoratifs voir l’article « Les Monuments aux morts » d’Antoine Prost dans Les Lieux de Mémoire de Pierre Nora). Le besoin de vengeance envers ceux qui ont déclenché la guerre, ont aimé la faire, ou en ont profité est aussi bien moins marqué chez Dupontel que chez Lemaître. On regrettera également que certains morceaux de bravoure du roman soient réduits à leur pure dimension narrative, ainsi de la scène de l’ensevelissement de Maillard (tombé dans un cratère, il se retrouve enterré vivant, obligé de respirer dans la gueule d’un cheval mort). Ce qui donnait lieu dans le roman à un moment d’anthologie littéraire, une pause narrative hallucinante (qui justifiait, à elle seule, le prix Goncourt attribué à Pierre Lemaître), n'est plus ici qu'une péripétie parmi d'autres.

Ces comparaisons entre le film et le roman sont évidemment le premier intérêt pédagogique du film. Au sein de la séquence consacrée en Lettres au « Personnage dans le roman du XVIIe siècle à nos jours » (Première), on pourra grâce au film s’interroger sur la transposition cinématographique d’un roman, et ainsi réfléchir aux choix que doit faire un scénariste lorsqu’il adapte une œuvre littéraire. La présence des gueules cassées et le jeu autour des masques permettra par ailleurs d’intégrer le film à l’objet d’étude « La question de l’homme dans les genres de l’argumentation ». Les professeurs de Lettres pourront ici s’intéresser à la frontière entre le monstre et l’humain. Enfin, le film paraît tout à fait adapté à une exploitation dans l'enseignement d'exploration Littérature et société – d’autant que la commémoration des cent ans de la Grande Guerre rend le film d’actualité. Le dossier pédagogique proposé sur le site du film propose d'autre pistes de travail, notamment au Collège, et de nombreuses ressources

Philippine Le Bret 

Merci à Caroline Hecker et Renée Marmonnier, professeures de Lettres, pour leur contribution à cet article

[Au revoir là-haut d'Albert Dupontel. 2017. Durée : 117 mn. Distribution : Gaumont. Sortie le 25 octobre 2017]

Pour aller plus loin :
Le site officiel du film (modules vidéo, entretien avec A. Dupontel et Pierre Lemaître et dossier pédagogique)

Posté dans Dans les salles par zama le 25.10.17 à 11:24 - Réagir

Zombillénium raconte la lutte des classes façon épouvante

Zombillenium

C’est l’histoire d’un parc d’attractions pas tout à fait comme les autres. Un parc d’attraction spécialisé dans l’horreur mais où l’on ne trouve ni squelettes en plastique ni humains déguisés en loup garou. À Zombillénium, tous les monstres existent « pour de vrai ». Les employés sont d’anciens humains devenus, après leur décès, zombies, vampires, loups garous ou autres.
Mais voilà que la révolte gronde : les employés-morts-vivants en ont marre. Marre que Steven, le vampire beau-gosse, leur vole constamment la vedette, marre de travailler le week-end, marre des visiteurs égoïstes qui viennent au parc. C’est à ce moment qu’arrive Hector, ancien contrôleur des normes transformé en loup-garou par le patron du parc suite à un contrôle-qualité un peu trop poussé. D’abord un peu déboussolé par sa nouvelle condition Hector devient peu à peu la nouvelle attraction du parc, déterminé à sauver Zombillénium de la fermeture.

Il n’est pas tout à fait anodin que Zombillénium , l'adaptation de la BD à succès d'Arthur de Pins, soit accompagné en salles par Gebeka Films, le distributeur de Ma vie de courgette. Les deux œuvres portent en effet la même ambition : réconcilier adultes et enfants autour d’une animation à la fois plaisante et intelligente.
Zombillénium ne manquera pas de plaire aux plus jeunes. C’est, avant tout, un bon film d’aventures, où deux récits sont menés en parallèle : celui d’Hector, qui doit lutter contre une armée de vampires bien décidée à prendre le contrôle du parc ; et celui de Lucie, sa fille, déterminée à retrouver son père disparu. Le film va de péripétie en péripétie, identifie rapidement des méchants et des gentils, et multiplie les références auxquels les (pré)adolescents seront sensibles. Steven est, évidemment, une copie du très célèbre Edward de Twilight, et il est plusieurs fait mention de la série à succès The Walking Dead.
Mais le film ménage également un deuxième niveau de lecture tout à fait adapté aux adultes. Le récit d’aventures se double d’une comédie sociale très convaincante, qui s’interroge sur le monde du travail. Zombillénium traite, pêle-mêle de la lutte des classes (zombies versus vampires), de la violence du capitalisme (l’impératif de rentabilité du parc) et des dérives du consumérisme.

Sous ses dehors de divertissement, Zombillénium peut ainsi parfaitement donner lieu à une exploitation pédagogique intéressante, aux Cycles 4 et 5. En classe de français niveau 6e, le film s’intègrera très bien à l’objet d’étude « Le monstre aux limites de l’humain », par sa représentation de monstres parfaitement humanisés. En 4e, le film pourra ouvrir ou prolonger un séquence sur le récit fantastique dans l'objet d'étude « La fiction pour interroger le réel ».

[Zombillenium d'Arthur de Pins et Alexis Ducord. 2017. Durée : 78 mn. Distribution : Gébéka. Au cinéma le 18 octobre 2017]

Philippine Le Bret

Posté dans Dans les salles par zama le 18.10.17 à 10:26 - Réagir

Dans un Recoin de ce Monde : le site pédagogique

Dans un recoin de ce monde

Véritable phénomène de société au Japon (le film a rassemblé plus de deux millions de spectateurs sans bénéficier du soutien d’un grand studio comme Ghibli), Dans un Recoin de ce Monde de Sunao Katabuchi, a également su séduire hors de ses frontières puisqu’il a remporté le Prix du Jury au prestigieux Festival du cinéma d’animation d’Annecy. Au-delà de ses enjeux mémoriels pour la société japonaise (la représentation du traumatisme, jamais guéri, des bombardements nucléaires d’Hiroshima et Nagasaki), Dans un Recoin de ce Monde est en effet une œuvre humaniste aux résonnances universelles. À travers le portrait sur plusieurs années de Suzu, jeune japonaise rêveuse et fantasque, Sunao Katabuchi fait le récit d’une « vie minuscule » percutée par l’Histoire, avec en point d’orgue le bombardement nucléaire de la ville d’Hiroshima le 6 août 1945 : une vie minuscule (à l’échelle des centaines de milliers de morts civils et militaires du conflit), mais non moins singulière et précieuse, avec ses joies, ses peines et ses moments de grâce, merveilleusement rendus par le dessin et les couleurs délicates de Katabuchi.

Ce film d’animation devrait toucher les élèves par sa poésie et son message d’espoir : suivre le personnage principal, Suzu, c’est suivre un parcours initiatique porteur d’une leçon humaniste toujours d’actualité, la menace du nucléaire (qu’il soit civil ou militaire) n’ayant hélas pas disparu. C'est pourquoi Zérodeconduite consacre au film un dossier pédagogique, qui propose d'étudier le film dans le cadre des programmes de Français du Collège : en quatrième avec « Individu et société : la confrontation des valeurs », mais surtout en classe de troisième avec l’axe « Dénoncer les travers de la société », en liaison évidemment avec l’enseignement d’Histoire.

Dans un Recoin de ce Monde de Sunao Katabuchi, 2017
Au cinéma à partir du 6 septembre
Le site pédagogique du film

Posté dans Dans les salles par zama le 05.09.17 à 17:50 - Réagir

L'Atelier : hors les murs

L’Atelier

Presque dix ans après sa Palme d’Or, Laurent Cantet revient à Cannes avec L’Atelier, présenté à Un certain Regard. La sélection au Festival de Cannes n’est pas le seul point commun entre ces deux œuvres, qui mettent toutes deux en scène des rapports de transmission et d’opposition entre un professeur et ses élèves. Mais là où Entre les murs avait pour cadre l’Éducation nationale, ses cadres rigides et la réserve qu’elle impose à ses enseignants, L’Atelier s’inscrit dans un dispositif beaucoup plus libre : quelques semaines de stage d'écriture pendant lesquelles des jeunes de La Ciotat, ex-fleuron de l’industrie navale, s’efforcent d’accoucher d'un roman noir avec l’aide d’une écrivaine à succès (Marina Foïs).
Ce changement de cadre permet à Laurent Cantet d’aborder plus frontalement encore des questions brûlantes d’actualité. La grande force de L’Atelier est ainsi de réussir à questionner avec une extrême justesse des thématiques omniprésentes dans les médias : terrorisme (il est notamment question des attentats du 13 novembre 2015), précarisation d’une partie de la société, ou encore montée de l’extrême-droite (le film met en scène les vidéos d'un clone d'Alain Soral). Son originalité et son intérêt sont également de poser ces questions au prisme de la création littéraire, interrogeant la représentation du crime, dialoguant sans jamais les citer avec les grandes œuvres de la littérature (L'Étranger de Camus, Un roi sans divertissement de Giono)… On savait Cantet et son scénariste Robin Campillo dialoguistes hors-pair, et L’Atelier ne fait pas exception à la règle : chaque discussion ou confrontation entre l’écrivaine et ses élèves ainsi qu’entre les jeunes entre eux apparaît comme une vraie séance de maïeutique, où il ne s’agit pas tant de prendre l’ascendant sur l’autre que de l’aider à accoucher de sa pensée. Par la simple force des mots, et en faisant appel à l’intelligence du spectateur, Cantet parvient à faire de ses dialogues des moments d’une intensité dramatique formidable en même temps que d'une grande pédagogie.

Stimulant intellectuellement, le film touche aussi au cœur, notamment lorsque Cantet filme la capacité de l'écriture à susciter l’émotion. Il en est ainsi d’un texte écrit par une des jeunes femmes de l’atelier, qui raconte, d’après les souvenirs recueillis auprès de son grand-père, la mise à l'eau des navires construits dans les chantiers de La Ciotat. La puissance évocatrice de ce court texte est prodigieuse, l'émotion naissant simplement des mots et de la beauté de leur assemblage.
La beauté de l’assemblage, c’est précisément ce qui porte L’Atelier, fort de son collectif de jeunes acteurs. De ce fait, lorsque l’intrigue se resserre autour des deux personnages principaux, l’écrivaine et le plus mutique de ses élèves, agité par de sombres démons, le film perd un peu de sa puissance. Malgré l’interprétation magistrale du jeune Matthieu Lucci, pour la première fois à l’écran, le suspens entretenu tout au long du film se dénoue trop rapidement dans la dernière demi-heure, sans que n’advienne le climax attendu. On regrettera cette fin un peu décevante, mais elle ne saurait amoindrir la puissance du reste du film, qui s’affirme comme une des grandes œuvres politiques de ce Festival 2017.

Philippine Le Bret

L'Atelier de Laurent Cantet, France, 2017, Durée : 113 mn
Un certain Regard

Posté dans Festival de Cannes par zama le 26.05.17 à 11:58 - Réagir

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